.⁠ ⁠Referentes artísticos y educativos en relación con las lecturas

Mi proyecto se apoya en referentes artísticos y educativos que entienden el arte como un proceso social, político y transformador, en línea con los autores y recursos que he consultado. Artistas como Suzanne Lacy, Mónica Mayer y María Gimeno resultan claves porque trabajan desde el feminismo y la participación, otorgando voz a mujeres que históricamente han sido silenciadas. Suzanne Lacy utiliza el arte público para visibilizar vulnerabilidades y generar diálogo social; Mónica Mayer abre espacios donde las mujeres comparten experiencias y cuestionan los roles de género; y María Gimeno reivindica la recuperación de mujeres artistas “borradas” de la historia del arte.

Estos referentes se conectan directamente con las lecturas de Carmen Mörsch, Nora Sternfeld, Helguera y Collados y Rodrigo, quienes entienden la mediación y la educación artística como actos políticos y relacionales. Para ellos, el arte debe activar procesos colectivos, construir comunidad y cuestionar desigualdades. También los textos de Ángela Alberto y Amaya Arriaga sobre la educación artística con perspectiva de género refuerzan la idea de trabajar desde la memoria histórica, la visibilidad y la reparación simbólica.

Por otro lado, la mirada de Carles Yadó sobre generar experiencias sensibles, auténticas y profundamente humanas me aporta una base metodológica centrada en el acompañamiento y la vivencia emocional. En su planteamiento, la función del educador es crear situaciones que permitan conectar con lo esencial; este enfoque es totalmente coherente con el trabajo de arte terapia femenina que deseo desarrollar

⁠Ideas clave, objetivos, metodologías y lenguajes artísticos del proyecto

El concepto central que articula el proyecto es arte terapia femenina, entendida como un espacio seguro donde las mujeres puedan expresar emociones, reconstruir narrativas personales y recuperar su voz a través del arte. Las ideas clave que guían el proyecto son: cuidado, escucha profunda, expresión simbólica, memoria corporal, empoderamiento y participación.

Los objetivos principales son:
1. facilitar un espacio de expresión emocional accesible para todas las mujeres;
2. promover procesos de empoderamiento y reconocimiento personal;
3. utilizar el arte como vía rápida y profunda para expresar aquello que cuesta poner en palabras;
4. acompañar desde una metodología feminista y horizontal;
5. conectar a las participantes con referentes de mujeres artistas que históricamente fueron invisibilizadas.

La metodología se inspira en varias líneas:
• Metodología experiencial (Carles Yadó): generar vivencias significativas donde emoción y creación se entrelacen.
• Mediación artística participativa (Collados y Rodrigo): activar procesos colectivos más que transmitir técnicas.
• Arte relacional (Helguera): construir aprendizaje a partir del encuentro y el diálogo.
• Perspectiva feminista: reconocer el cuerpo, los cuidados y la memoria como espacios de conocimiento.
• Diagnóstico participativo: incluir dinámicas donde las propias mujeres definan su contexto y necesidades.

Los lenguajes artísticos seleccionados —collage, pintura intuitiva, escritura creativa, arte-objeto, fotografía simbólica y pequeñas acciones performativas— se eligen por su capacidad de conectar emoción, cuerpo y memoria, sin exigir habilidades previas. Son lenguajes accesibles, sensibles y transformadores.

⁠Mi posicionamiento conceptual actual

A partir del diálogo entre mis referentes y las lecturas, mi posicionamiento sobre arte y educación ha evolucionado hacia una visión más crítica, feminista y situada. Antes veía el arte sobre todo como una herramienta expresiva, pero ahora lo entiendo como una práctica que puede cuestionar estructuras de poder, generar comunidad y transformar la manera en que las mujeres se relacionan consigo mismas y con su historia.

Concibo el arte como un lenguaje profundo que permite expresar en un día lo que la palabra tardaría años en nombrar; como un espacio político, donde las mujeres pueden salir de las sombras y recuperar su lugar; y como una práctica relacional, que se construye a través del encuentro y la escucha. Desde esta perspectiva, educar mediante el arte es acompañar procesos de reparación, empoderamiento y resignificación personal.

¡Hola clase!

Dejo a continuación un PDF con mi contexto, referentes, propuesta de proyecto y posicionamiento:

«Barro en Barra»: Un Puente de Cerámica entre la Escuela de Arte y Sevilla

Introducción y Justificación del Proyecto

Mi  proyecto «Barro en Barra» surge como una respuesta directa a la necesidad de romper el aislamiento institucional que a menudo sufren los centros de formación artística. Mi objetivo principal es aumentar  la visibilidad exterior de la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Sevilla, poniendo el foco en la calidad y la creatividad del alumnado del  Departamento de Cerámica Artística. La formación y las obras desarrolladas por nuestro alumnado generalmente permanecen desconocidas para el público, lo que limita tanto su impacto social como su capacidad de atraer nuevo alumnado, un objetivo vital para el futuro de las Escuelas de Arte 

Concepto y Metodología Innovadora

«Barro en Barra» es una iniciativa creada para mezclar  la tradición artesanal del barro con las expresiones de la cerámica artística más contemporánea. Se propone crear un recorrido artístico único, directamente en el centro de Sevilla. La base del proyecto  es crear una colaboración con bares emblemáticos y con solera del centro de mi  ciudad.

El mecanismo es simple y efectivo: a cada establecimiento seleccionado se le asignará un alumno del Ciclo Formativo de Grado Superior (CFGS) de Cerámica Artística. Este estudiante tendrá la libertad  y la responsabilidad de diseñar y realizar personalmente una instalación artística efímera pensada para ese espacio. Esta es una oportunidad formativa única, ya que ofrece a los futuros artistas su primera experiencia real de creación y exposición en un espacio público, enfrentándose a las limitaciones y oportunidades del contexto del bar.

Impacto Cultural y Social

Esta propuesta transforma de manera efectiva los establecimientos participantes en una red de «micro galerías» accesibles y dinámicas. Al ubicar la creación cerámica en el día a día, se logra una interacción directa con un público masivo y heterogéneo (residentes, estudiantes, turistas), que no suele visitar los espacios académicos o galerísticos tradicionales. Esta experiencia artística inesperada tiene un doble poder: revalorizar la cerámica como lenguaje artístico contemporáneo y, simultáneamente, dar a conocer el talento emergente de la Escuela.

«Barro en Barra» aspira a convertirse en un auténtico puente cultural que conecta la Educación Artística directamente con el pulso de la ciudad, dinamizando el espacio público y consolidando la cerámica.

El Nuevo Mapa Artístico de Sevilla

El proyecto configura un nuevo mapa artístico y cultural de Sevilla, articulando un paseo de norte a sur por barrios con gran contenido histórico y cultural como: la Alameda de Hércules, La Alfalfa / Encarnación, Calle Feria y el Barrio de Santa Cruz. La acción artística-educativa cobra sentido al utilizar la cerámica y los bares como plataformas de Visibilización, Educación Artística y Reclamo. Se busca exponer la producción del CFGS de Cerámica Artística a un público masivo y diverso, logrando dar  conocimiento y atrayendo nuevo alumnado al centro educativo.